Antoni Arola: “Estamos entrando en una nueva cultura de la luz”
10 Agosto 2022
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Antoni Arola, diseñador implicado en el proyecto de La Casa de la Luz, cree que vivimos un momento de cambio sustancial donde la gestión y el control de la luz es la clave.

Antoni Arola cursó diseño en la Escuela Eina de Barcelona. En 1994 fundó estudio propio, desarrollando proyectos de diseño industrial e interiorismo, aunque pronto fue decantándose hacia el mundo de la iluminación. Hoy en su curriculum figuran 25 sistemas de iluminación y lámparas, muchas de ellas galardonadas con premios nacionales e internacionales. Es Premio Nacional de Diseño 2003. Desde el año 2016, en su quehacer ganan terreno los proyectos e instalaciones a medio camino entre el arte y el diseño, propuestas artísticas donde luz y color conquistan el espacio. Hablamos con él para conocer su intervención en La Casa de la Luz, que derroteros tomará el universo de la iluminación o como el proyecto con luz ya ha entrado en los museos.

 

Estudio (Foto Pep Avila)

 

-¿Qué crees que puede aportar la Casa de la Luz a la ciudad de Madrid?  
AA-Simon es una empresa que parte del interruptor, pero va mucho más allá. El siglo XXI es el del control de la luz, que es el principal medio para gestionarla. Hay una apuesta de Simon por todo ello. A partir de esta premisa, necesitaba un showroom para enseñar a sus clientes y al público interesado   esta nueva visión de la capacidad trasformadora de la luz en los espacios. Y escogieron un espacio singular: el Edificio Oasis proyectado por Fernando Higueras, muy interesante pero a la vez complicado. Ha sido un honor trabajar en un edificio así.

-La Casa de la Luz instalada en un edificio emblema del organicismo y brutalismo. ¿Conocías de antes al arquitecto y su obra? 
AA- Sí, había visitado la casa de Fernando Higueras en Madrid, denominada ‘Rascainfiernos’. Es una vivienda soterrada, un agujero en la tierra de 8 x 8 m, tres niveles y un patio central con vegetación. La luz se mezcla con las plantas. Desde el punto de vista de la iluminación, me impresionó mucho. No había visto nunca una cosa así antes. Quizás en Túnez, en Matmata, donde hay arquitecturas excavadas. También en Lanzarote había visitado un complejo hotelero proyectado por él. Gigantesco, monstruoso, pero muy bonito. Con mucha vegetación en el interior, a lo bestia.  Lo que ahora está de moda.
Mientras estábamos haciendo la obra de La Casa de la Luz, en 2019, hubo una exposición sobre Higueras en la Fundación ICO de Madrid. Fue una suerte. Higueras forma parte de ese tipo de arquitectos pasionales y también malditos. Un personaje visceral y esto no suele gustar mucho. Pero a mí si me atrae.

-¿Cuáles han sido los objetivos generales del proyecto en La Casa de la Luz, como interiorista y diseñador de iluminación? 
AA- El espacio era difícil, estaba muy intervenido y maltratado. Casi no se veía. Hubo una limpieza y desbroce, y fue surgiendo el espacio cada vez más imponente que había diseñado Higueras. La idea fue respetarlo. En la planta baja se trataba de mostrar las distintas series de productos de Simon. Y en la planta sótano, ejemplificar la visión de Simon sobre la nueva luz y su potencial transformador. La gran diferencia en este proyecto ha sido la entrada de ProtoPixel, que trabaja en el control de la luz, como socio tecnológico de Simon. Creo que este nuevo match es perfecto en el momento que estamos. La luz está cambiando mucho y este cambio todavía ira mucho más rápido. Y qué mejor para mí que poder contar con ellos.

 

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-Hoy La Casa de la Luz es ya una realidad como espacio consagrado a la cultura de la luz. Al hilo de este cambio ¿hacia dónde vamos?
AA- Las lámparas son del siglo XIX y del XX, son de la abuela. La lámpara viene de una bombilla, de unas necesidades y una historia. La lámpara contiene la luz. No obstante, con el led y el control del led, pierde vigencia y adquiere un interés más como escultura o pieza única. Actualmente es la arquitectura la que contiene la luz. Todo esto Simon lo ha entendido muy bien. Y es lo que quiere mostrar en La Casa de la Luz. 

-En este nuevo espacio de Simon un aspecto importante ha sido asimilar e incorporar la tecnología de ProtoPixel ¿De qué forma habéis desarrollado la colaboración?
AA-Estamos trabajando con paletas de color de la luz. La tecnología de gestión de la luz de ProtoPixel incluye el control de la luz, su dominante, la intensidad, todos los colores... y todo esto led a led, pixel a pixel. Tenemos la posibilidad de que sea una luz dinámica, cambiante, o definir la velocidad. Es una locura. Tantas opciones a veces dificultan el pensamiento. Hemos creado escenas, pero no están cerradas. Es un proyecto vivo que irá cambiando.  

-En estas escenas ¿cuál sería el rasgo distintivo de las atmósferas creadas por Antoni Arola?
AA-De momento no considero que haya hecho mi carta de escenas Arola. Sino la carta de posibilidades para Simon. Lo que creo que ahora suma para la gente es la nueva cultura de la luz: tú en tu casa y con tu móvil puedes modelar la luz como quieras. Esto es un logro mayor que comprarte una atmósfera de un diseñador concreto. Desde que tenemos spotify, somos dj de nuestra vida. Generamos nuestros listados de temas. Lo mismo sucederá con la luz. Lo veo como una evolución natural del mundo de la iluminación. Lo vivo como un gran experimento. La sensación es que a partir de ahora podemos empezar a trabajar.

 

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-En la presentación de La Casa de la Luz se abordó también “como querríamos que fuera la luz del futuro”. Desde un punto de vista personal, ¿a ti como te gustaría?  
AA- Personalmente siempre he tenido poca luz en mi casa. Me interesa la atmósfera de un espacio, la penumbra. Y que la noche parezca noche.  A mí me gusta ir encendiendo las quince lámparas de la casa y luego e ir apagándolas.  Creo que en el futuro la lámpara, con un sentido más escultórico, convivirá con las atmósferas de luz en la propia arquitectura.

-¿Acabaremos pintando las paredes y los interiores donde habitamos con luz, en vez de con pintura?
AA- Yo creo que la luz es más profunda que esto. La pintura de pared por sí sola no crea una escena, en cambio, la luz sí, y además es modificable. Hablar de decorar o pintar con luz es quedarse corto. Son términos del pasado. Implica mucho más. Hemos de crear nuevas palabras. Pero los seres humanos somos muy lentos.  Excepto los jóvenes, que las van introduciendo de modo natural, como por ejemplo flow. Con la luz también hemos de ser flow, pues ira cambiando y fluirá. Ya hace tiempo que la gente joven tunea sus coches con tiras de led, o las colocan en sus habitaciones. 

-Como creador, ¿qué te mueve para tirar adelante tus proyectos de luz?
AA- La luz fue entrando en mi profesión y en mi vida sin mucho plan previo, y creo que hemos hecho una buena pareja de baile. Desde muy pronto me sedujo más diseñar una luminaria que no un taburete. Hay cuestiones plásticas, de color, de luz. Mis dos primeros proyectos de lámpara los hice hace 25 años para Santa&Cole y Metalarte, y ambos siguen vigentes. Esto me satisface. Más que el objeto lámpara -en general mis formas suelen ser sencillas- me ha interesado sobre todo como se expresa la luz a través de la lámpara.
Cuando trabajo en el diseño de un espacio o en el diseño de una lámpara, en realidad no hay tanta diferencia en términos de iluminación.  Únicamente, en un espacio la persona está dentro y, respecto a la lámpara, está fuera.

 

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Metalarte Dojo (Foto Carlos Iglesias) | Santa & Cole Nimba (Foto Carme Masia)

 

-¿Qué quieres transmitir con tus propuestas de iluminación?
AA- Me interesa la calma, la serenidad. Me gusta mucho la penumbra del verano. También, cuando en invierno entra el sol horizontal hasta el fondo de una casa. O los dibujos de la luz en la arquitectura. Soy fan de ver pasar la tarde y como va cambiando la luz sobre un espacio. La arquitectura es como una gran lámpara. Y los espacios se modifican, sea luz natural o artificial.  Hay un momento del día en que conviven las dos. Me gusta jugar con todo esto, es como una danza con la luz.
La luz tiene mucho que ver con la fotografía, y con la vida, claro. Hago muchas fotografías, me gusta captar una luz, captar los momentos de luz. A lo largo del día y del año existen muchas luces distintas. Como esa hora en que el sol se ha puesto, pero todavía se ve, y se dice que no se distingue un perro de un lobo. O a medio día, en pleno verano, cuando puedes recortar sombras que flipas. Hay muchos momentos interesantes.

-Durante los últimos años, también has colaborado con Simon en diferentes acciones a medio camino entre el diseño y el arte ¿Cuál es el trasfondo de estos proyectos?
AA- En el año 2016, con motivo la celebración del centenario de Simon como empresa, me pidieron que propusiera algún proyecto que rompiera esquemas, y fuera más allá de lo habitual. Fue una intervención con luz y color en la que se daban cambios de escenario, de luz, comenzaba a llover... se trataba de descolocar a la gente, y resaltar que con un interruptor se podían hacer cosas que antes no imaginabas. Fue en la sede de la antigua fábrica de Simon en Barcelona. Entonces, al lado vi una nave vacía en desuso y le pedí a Simon si me dejaría el espacio para hacer nuevas pruebas de luz, sin saber muy bien lo que hacía. Estuvimos un año experimentando, solo podíamos ir de noche, eran como una especie de encuentros de estudiantes, una aventura... De allí salió la instalación “Reflexions” y fue realmente un punto de inflexión. Coincidió con el Festival Llum Barcelona, fue un proyecto de cosecha propia donde Simon me apoyo. 

 

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Reflexions Llum BCN (Foto Hector Milla)

 

-Tengo entendido que estos proyectos los habéis llevado a diversos países.
AA-Sí. “Reflexions” es una instalación basada en el reflejo de luz sobre espejos ondulados en movimiento, que genera imágenes muy potentes. De hecho, es un efecto que puedes ver sobre muchas superficies, pero magnificada. Parecían imágenes en 3D, pero eran 2D. Me gusta hacer algo “artesanal” con una estética tecnológica. Se hizo en China y luego en México, siempre evolucionada. En China, en las imágenes de dos metros de altura empleamos láser.  

-Los festivales de artes lumínicas están dando visibilidad a este enfoque que fusiona diseño y arte.
AA-Si, están ayudando a difundir todos estos proyectos. Se celebran en Madrid, en Barcelona y en toda Europa. La luz antes era una cuestión de feria, y ahora por fin ha entrado en los museos. Pero ha costado. Como estudio Antoni Arola hemos estado recientemente en el Museo Mufo de México y pronto participaremos en otro festival en Austria en un museo.

 

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Percepcions - Museo Mufo de México (Foto Pep Avila)

 

-¿Quiénes han sido tus referentes en este mundo de la luz? ¿Qué autores te interesan?
AA-Mucha gente... Dan Flavin y los cuatro fluorescentes que instalo en el MoMA de Nueva York en 1964, con su Monumento 1 de V. Tatlin. O Boltanski con sus sombras. También Olafur Eliasson, que ha desarrollado todos los posibles efectos de la luz: reflexión, refracción, humo, descomposición...un trabajo muy admirable. O James Turrell y su trabajo sobre el espacio y la luz. En el cine hay grandes maestros, Ridley Scott, Kubrick. O en la fotografía, Irving Penn. Muchísimos, no acabaría.